通过对色彩的刻意运用，画家们构成了微妙的图像，吸引、强迫和挑战观众。有人可能会说，颜色是艺术绘画的基础，技术和材料的改进可以使颜色的应用更加引人注目和复杂。方法和材料的不断改进给了艺术家更大的自由和目标。其中一项改进是对水粉的识别，水彩的不透明形式。简单的水彩混合，最初用于原始洞穴绘画，最终成为一种视觉艺术形式。水粉源于透明水彩画和不透明水彩画的最终区分。然而，水粉技术早在任何公认的区别之前就被使用了。
在古埃及，用蜂蜜或赤色胶将颜料结合在一起，形成了一种水粉。到了中世纪，水粉出现在彩绘手稿上。没有正式的认可，水粉继续发展。在Albrecht Durer的风景和自然研究中，如1496年的“树林中的池塘”和1503年的“大草坪”，水粉被证明是有效的，可以为构图提供深度完成和柔和的光泽。在18世纪的欧洲，水粉开始受到艺术家们的欢迎，他们追求的是珍珠般的、柔和的色调。François布歇1743年的《维纳斯的诞生与胜利》捕捉到了水粉的灿烂光芒，一个世纪后，在j·m·w·透纳1840年的《沙滩上的鱼市》中，水粉在早晨的天空中创造了柔软的雾冠。
水粉也被称为身体颜色，不仅因为其悠久的历史和持续的使用，而且因为它揭示了艺术和科学之间的联系。简单化学的早期使用形成了新的、改进的材料，这使得艺术家在表达他们的意图时提高了精度和目的。因此，水粉是艺术演变的一个例子。即使到了20世纪，它也满足了许多艺术家的需求。乔治·鲁奥的《马戏团训练师》展示了材料对一件艺术品的影响，柔和的白炽色彩与表演者怪诞抽象的形象相冲突。
到20世纪中期，亨利·马蒂斯(Henri Matisse)使用水粉创作了他著名的蓝色裸体系列，今天，艺术家们仍然使用水粉，有时与油、墨水或水彩等材料一起使用。在艺术绘画的历史上，人们一直在寻找更好的材料，以产生艺术家所追求的精确效果。随着新材料的不断发展，从油到丙烯酸，甚至乳胶底漆和颜料笔，水粉在满足视觉艺术家的创作需求时，提醒人们艺术和科学之间的重要联系。